Información de danza

Introduccion

Soy Josué Álvarez Director Artístico de la Asociación STUDIO 88, de A Guarda. Quiero brevemente dar una introducción al mejor arte para mi gusto, LA Danza.

El ser humano se ha manifestado a través de las artes, tras la aparición en la Tierra. Este arte, ha formado parte de la historia de la humanidad, llegando sus creaciones, sus costumbres, la vida, su historia, desde tiempos muy remotos.

La danza no es ajena a este fenómeno, es un arte inmemorial, siendo el arte que cojas el paso del tiempo, es un exponente muy importante para la humanidad. Utilizándose para diversos fines: Artísticos, Culturales, Entretenimiento, Religiosos, con el transcurso del tiempo la danza ha ido ganando mas adeptos con la finalidad terapéutica, para el bienestar tanto físico como mental.

Es un arte donde no prescinde el lenguaje hablado, cuando un ser humano nace, también carece de este lenguaje, y se manifiesta con expresión Corporal y Carácter, la expresión Corporal, es el conjuntos de movimientos que transmiten emociones, sensaciones, sentimientos… Para mi el carácter es como un bailarín afronta en su papel a interpretar la danza, esas emociones, sensaciones y sentimientos, debido a que no todos reaccionamos iguales ante cualquier situación haciendo el trabajo mas personal y con identidad.

La danza se expresa mediante el movimiento del cuerpo de manera estética, a través de un ritmo bien con sonido. También algunas danzas se pueden interpretar sin el acompañamiento de la música.

La danza a formado parte de muchas de las culturas de los países y estas yo las denomino puras o Folclóricas que identifican a una región, comunidad, o país, que nacen de sus raíces o incluso pueden tener carácter religioso.

Los elementos fundamentales de la danza son:

Ritmo / Forma / Espacio / Tiempo / Energía / Color/ Técnica

Se llega a definir la danza como el desplazamiento efectuado en el espacio por una o todas partes del cuerpo del bailarín, diseñando una forma, impulsado por la energía propia , con el ritmo determinado, durante el tiempo a marcar de menor o mayor duración, dentro de una estética.

Para tener una buena base y que sea sólida de danza es necesario hacer ballet.

Beneficios terapeuticos

Cada vez en la sociedad, y con el paso del tiempo y la información hay mas gente que se une a este arte, y mucha de ella la escoge por sus beneficios Físicos y Mentales

La actividad física controlada y planificada ( Danza ) nos reporta muchos y grandes beneficios. Pero para obtenerlos tenemos que ser constantes en su práctica.

Beneficios terapeuticos y psicologicos:

La mejora de la calidad de vida, de nuestras posibilidades físicas, nos hace sentirnos mas a gusto y seguros y que nuestra autoestima aumente.

Autoestima, al son de la música se reduce el estrés, la ansiedad y la depresión ya que ayuda a expresar las emociones y a canalizar la adrenalina.

Aumenta la socialización de la persona entre otras.

Aumentamos la actividad de nuestro tiempo libre, haciéndonos más felices.

Permite desinhibirse y liberar tensiones.

Ayuda al sedentarismo, a la depresión.

Aumenta los temas de conversación, aumentando por esto nuestra capacidad de socialización.

Aumenta nuestra lista de conocidos y hace que desconectemos de la vida cotidiana y rutinaria.

Si nos encontramos mejor, ganamos en humor.

Ayuda a conciliar mejor el sueño.

Beneficios cardio-respiratorios:

El músculo mas importante del cuerpo es el corazón. Con la danza se múscula (aumenta la masa muscular), se fortalece (aumenta la fuerza) y pierde la grasa que lo rodea. Por lo que cada latido es más potente y puede trasladar más sangre al resto del organismo. Si conseguimos un corazón más grande, más fuerte y con menos grasa, estamos haciendo una mejora considerable. 

*Un corazón más grande: podrá impulsar más sangre en cada latido.

*Un corazón más fuerte: podrá impulsar con más potencia la sangre.

*Un corazón menos graso: será más eficiente en cada latido.

La Danza a diferencia de una dieta o unos medicamentos mejora el corazón en todos los aspectos. Los medicamentos o la dieta pueden reducir la grasa y hacer los latidos más eficientes, pero nunca podrán mejorar en los tres aspectos, tamaño, fuerza y eficiencia.

Por la misma razón aumenta el calibre de las arterias coronarias, causantes de muchos de los problemas del sistema cardiovascular. Ayudando así al corazón a ser más eficaz en el trasporte y retorno de la sangre.

La Danza en el corazón es una bajada de la frecuencia cardiaca en reposo, mejora la economía y la eficacia de nuestro corazón. 

La Danza planificada disminuye la tensión arterial, así que todo el organismo sale beneficiado. La tensión arterial alta, también llamada la muerte silenciosa, porque silenciosamente pero sin pausa va dañando todos los órganos de nuestro cuerpo y en muchas ocasiones cuando se percibe el problema, ya es tarde.

Los problemas generados por una tensión alta son la mayor causa de muerte en occidentales de mediana edad. LA DANZA, soluciona este problema desde tres vías, la primera disminuyendo la tensión arterial. La segunda reduciendo el porcentaje graso acumulado que repercute directamente en la tensión y la tercera preparando a venas y arterias para una mejor circulación del torrente sanguíneo.

Con La Danza , fortalecemos todos los músculos, también los que se encargan de llenar y vaciar de aire los pulmones, haciendo que en cada respiración podamos tomar más aire con menos gasto energético, haciendo la  respiración mas eficiente, aumentando la oxigenación y reduciendo el estrés de estos músculos respiratorios.

*Aumenta nuestra capacidad pulmonar y limpia nuestros pulmones.

*El proceso de vaciado y llenado se realiza menos dificultosamente.

*Cuando necesitemos una mayor aportación de oxigeno, nuestros pulmones podrán llevar a cabo esa tarea, sin toses y sin ahogamientos

*Aumenta la superficie de transmisión del oxigeno a la sangre, esto se produce por una mayor capilarización y por un mayor número de alvéolos en funcionamiento.

Numerosos estudios científicos se ha demostrado que una mayor y mejor oxigenación aumenta nuestras capacidades intelectuales al tener el cerebro mas oxigeno y una mejor refrigeración. 

Beneficios en los huesos y musculares:

En las articulaciones: El aumento de la eficacia de las articulaciones debido a la musculación de tendones y ligamentos y a una mejora de la lubricación interna, sumado al aumento de la masa muscular y de su resistencia, hace que nuestra calidad de vida aumente exponencialmente. Permitiendo retrasar el envejecimiento y aumentar las posibilidades de expansión como persona móvil e independiente. 

*Aumenta la más muscular y por consiguiente la fuerza

*El aumento general de la fuerza, de la resistencia, del equilibrio y de la agilidad reduce considerablemente la caídas traumáticas y las lesiones posturales

*Los músculos aumentan la resistencia a la fatiga, lo que permite aguantar mejor los quehaceres diarios.

*Los músculos y las reacciones se vuelven más rápidas, haciendo que se sienta uno más ágil y grácil.

*Los huesos se hacen más gruesos, se vuelven más resistentes a las caídas

En los músculos: donde antes se nota la acción de la Danza, es en los músculos. Estos a las poscas sesiones ya mejoran su tono. En poco tiempo es fácil notar la musculatura más tensa y más fuerte. En pocas semanas el volumen también irá en aumento y los resultados serán visibles a simple vista. El cuerpo humano está diseñado para funcionar bien cuando existe una musculatura adecuada, para esto es imprescindible el ejercicio. Las personas sedentarias están muy escasas de materia muscular y de falta de tono. Los sedentarios tienen una musculatura flácida. 

En los huesos: el cuerpo cuando nota que los músculos ganan en fuerza empieza un proceso por el cual los huesos se hacen más gruesos y fuertes a fin de poder soportar las nuevas tensiones que provoca la nueva musculatura. Es igual que con los beneficios en el sistema cardiovascular, se produce una retroalimentación que hace que las mejoras en el organismo y en el metabolismo se reproduzcan en sistemas que aparentemente no tienen nada que ver con la danza.

Muchos Médicos, Profesores de danza, Bailarines, y Autores, afirman que una persona de 65 años que haga  danza a diario tiene una mayor capacidad física y vital que una persona de 45 años que no realiza ninguna actividad física. Estamos hablando de retrasar muchas variables del envejecimiento casi 20 años. 

El aumento de nuestra capacidad física y de nuestra autoestima afecta reduciendo drásticamente muchos dolores difusos. 

El fortalecimiento de nuestro organismo, hace que estemos más alerta, con más equilibrio y que tengamos un tiempo de reacción complejo más eficiente y rápido, por lo que las caídas y golpes se reducen. 

El fortalecimiento de los músculos, el engrosamiento de los huesos, hace que las caídas sean menos traumáticas y se recupere el estado normal antes que una persona sedentaria.

Dentro del gran campo que cubre “La Danza” tenemos distintas capacidades cada una de las cuales tiene sus propios beneficios inherentes, como podría ser la flexibilidad, la fuerza, la resistencia, la agilidad, el equilibrio. Por nombrar las más importantes.

En la mayoría de las actividades físicas no se trabajan todas las capacidades antes nombradas.

Por ejemplo:

_nadando no se realizar ninguna mejora de la flexibilidad ;

_pilates no se trabaja la resistencia.

_gimnasia aeróbica no se trabaja la fuerza… 

Por esto siempre se hace necesario que los profesores sepan que capacidades hace falta añadir y se trabajen junto a las sesiones normales. Realizar unos minutos de ejercicios de estiramientos después de nadar, realizar  ejercicios aeróbicos los días que no haya clase de pilates o realizar trabajos con gomas o pesas los días que no tenga aerobic. 

Por eso decimos que la Danza es un ejercicio de los mas completos y eficaces.

Estilos

Ballet clasico

• Introducción al Ballet Clásico
• Los principios del ballet Clásico
• Reglas y Protocolos del Ballet Clásico según su técnica

Introduccion al ballet clásico

El Ballet Clásico es la base de todos los ballet, por que en ella permite manejar una base técnica sólida.

Se dice que el Ballet Clásico se originó a finales del siglo xv. Eran las numerosas representaciones en las cortes italianas y posteriormente llevadas a las cortes Francesas. El Ballet cómico de la reina.

El primer Ballet del que sobrevive una partitura completa fue la que creo Beaujoyeux, que se estreno en París en 1581, bailado por los aristócratas aficionados, para la representación ante la Familia Real.

El Ballet Clásico forma parte del Arte escénico.

También se utiliza el término ballet para designar la pieza musical compuesta, a propósito, para que sea interpretada por medio de la danza.

Está conformado por ejercicios, posiciones, pasos y poses para los que existe una terminología Francesa. El protocolo y sus reglas distinguen al ballet de otras formas de Danza. Su estructura teórica provee el marco, que aplicado correctamente demandado por este arte.

El bailarín debe conocer y manejar a la perfección su propio cuerpo, desarrollar el tono muscular adecuado, fuerza y resistencia, además de una postura adecuada para mantener en condiciones su estructura ósea.

Los principios del ballet Clásico

Alineacion

Se define Alineación Corporal como una buena postura sobre su eje para la buena sostenibilidad. Una adecuada alineación es la base esencial para desarrollar la técnica del Ballet Clásico. Mientras que un bailarín se mueve necesita tener esta alineación integra constantemente, la cabeza, el torso, los brazos junto con las piernas en su totalidad, mientras que el movimiento cobra a través de su espacio o mientras se mantiene una posición.

El cuerpo entero forma unas estructuras, si una de ellas está desalineada, está afecta al resto que este por debajo o por encima.

La alineación es un principio dinámico y primario, que se mueve eficientemente, como un todo por todo, siendo sensible a los movimientos de todas las partes.

Al haber desalineaciones mínimas estas causan otras mayores y así provocando lesiones, y todas las articulaciones mayores del cuerpo se pueden ver afectadas.

Distribución del peso

La distribución del peso del cuerpo sirve para conservar el equilibrio, y del movimiento eficaz del bailarín. La alineación es suma de importancia para la correcta distribución del peso en los dos pies o en uno de ellos. A medida que el bailarín tiene movilidad, constantemente se esta reanudando el equilibrio del cuerpo. En la posición plano los cinco dedos de la planta del pie soportan el peso del cuerpo. El peso está centrado verticalmente sobre un área triangular que lo forma, el metatarso del dedo gordo, el quinto metatarsiano y el tobillo.

El bailarín debe llevar el peso hacia los metatarsianos, ya en se encuentre en los dos pies, en uno o en relevé (elevación sobre los metatarsianos) En relevé , el peso del cuerpo se encuentra sobre los metatarsianos y los cinco dedos del pie y el peso debe centrarse verticalmente entre el segundo y tercer metatarsiano para prevenir que el pie se gire hacia dentro o hacia fuera, de esta manera el arco longitudinal del pie se encuentra en perpendicular al suelo.

La transferencia del peso

La acción de trasladar el peso de dos pies a uno, o de uno a dos, requiere una postura correcta. El bailarín/a hace que la intersección del peso se vea sin esfuerzo, Usar la rotación con la respiración aplicada al movimiento, estirar el cuerpo hacia arriba permite que los cambios de peso se vean sin esfuerzos y fluidos. Ser Capaz de ejecutar los cambios de peso es importante para el logro de un suave cambio de apoyo y de las direcciones que constituyen una parte esencial del ballet.

Lo primero antes de realizar un cambio de peso de dos pies a uno, el cuerpo se estira ligeramente hacia arriba y hacia el lado de la pierna de apoyo en dirección diagonal entre la pelvis y las piernas. Se traslada el peso completamente a los metatarsianos de la pierna de apoyo. Y al regresar el peso a las dos piernas se debe trasladar de nuevo el peso y distribuirlo correctamente entre ambos pies.

La postura

Las combinaciones y los ejercicios el bailarín/a asume una postura con el peso distribuido en ambos pies o cuando pasa a través de las distintas posiciones. Para asumir una postura adecuada del peso debe estar igualmente distribuido sobre ambos pies. El bailarín/a aprende a estas posiciones kinestésicamente, tanto para descansar o para recobrar el equilibrio antes de trasladar en una dirección diferente o a un pie.

Contrabalance

Es la acción ligera de inclinarse con el torso arriba y hacia delante al levantar las pierna de atrás, por encima de 20 grados. Debido a la formación de las caderas, esta inclinación se efectúa para poder subir la pierna sin presionar excesivamente la columna vertebral. El cuerpo debe mantener la posición durante esta acción. La delantera del torso se estira hacia delante del torso, por lo tanto la pierna se estira al elevarse hacia atrás.

Cuando se regresa a su posición alineada para concluir la finalización del movimiento hacía atrás.

La elongación con la columna cervical, dorsal y la caja torácica es fundamental en este proceso del movimiento.

La colocación

El plano de la conservación de las caderas y los hombros en mismo plano y paralelas la una a la otra, con referencia al suelo. Permitiendo al bailarín/a incrementar la precisión y la claridad cuando dirige las direcciones mientras las piernas se mueve en las distintas direcciones.

El Torso se mueve sutilmente en relación con la respiración y las combinaciones. El torso cuando se coloca dispone de estabilidad durante el desplazamiento de la pierna con la que se trabaja, la pierna de apoyo se estira hacia arriba. La kinestésica del torso de un bailarín y la colocación llegan a ser más importantes cuando se integran los cambios de direcciones en centro y en la barra.

Cuando las piernas se elevan del suelo en diferentes direcciones se hacen ajustes en la columna y en las caderas.

Cuando la pierna de trabajo con la que se trabaja se extiende hacia delante, la columna y la pelvis se mueven después de 60 grados.

El movimiento de las piernas al lado se limita aprox. 45 grados y atrás el movimiento a los 15 grados. La colocación parece engañosa debido a la estructura de la anatomía del cuerpo.

El Bailarín/a siempre tratará de tener la línea horizontal y encontrando, la distribución del peso, la estabilidad y la compensación, trabajando en conjunto con la colocación.

Elongación del torso (pull up)

Separarse por las piernas, a modo de estiramiento de las mismas desde el suelo, involucrando la musculatura abdominal y elevando el torso por encima de las caderas, se define un importante elemento técnico que define la estética del ballet.

Cuando apoyamos ambas piernas o una en el suelo, estas se estiran hacia arriba a través de la pelvis, para obtener la longitud máxima. Con esta acción lo que se previene que el bailarín/a se siente, (se hunda) en las piernas. El bailarín/a involucra los músculos abdominales elevándolos hacia arriba, desde el hueso de la pelvis, hasta el esternón aumentando así la distancia entre las caderas y la columna. La acción que acabamos de hacer acompaña un estiramiento hacia debajo de la columna por lado posterior del suelo, manteniendo así el control de las curvaturas de la columna. Esta acción opuesta levanta y centran perpendicularmente el torso, permitiéndoles a las piernas moverse libremente mientras el cuerpo parece flotar por encima de ellas.

Si se usa correctamente la elongación, esta acción permite al bailarín/a verse ligero y con la capacidad de desafiar a la gravedad.

La compensación

Es el concepto relacionado con las fuerzas opuestas que encontramos con la intervención del cuerpo. El peso del cuerpo y la gravedad ejercen fuerza hacia abajo, los músculos, proveen de la fuerza que compensa esta otra permitiendo permanecer erguidos. Para obtener una mayor facilidad ahí que disminuir la tensión excesiva de los músculos con una buena y correcta alineación postural. El cuerpo funciona eficientemente y la respiración se hace más fluida.

Para las acciones debe existir la reacción opuesta e igual. Al realizar un movimiento hacia abajo el cuerpo deberá estirarse hacia arriba antes de descender.

Con la técnica del ballet, el bailarín/a tiene que controlar no hundirse o moverse hacia delante o hacia atrás. Estas acciones se relacionan normalmente en las caderas, en los hombros o en ambas.

La compensación impide que perdamos la colocación y la elongación del cuerpo.

El Aplomo

Es la línea vertical imaginaria que se utiliza para evaluar la alineación y el centro vertical del bailarín/a, (el eje).

Visto de frente la primera posición del ballet.

La línea de aplomo vista de lado, desciende desde la parte superior de la cabeza , al frente del oído, a través de la parte media del hombro , cadera y rodilla para finalmente caer en frente del hueso del tobillo.

El Aplomo también se aplica durante el movimiento, cosiste en la habilidad del bailarín/a para cambiar de nivel desde el demi-plié hasta el relevé, y lo contrario, mientras ahí una buena colocación del peso del cuerpo centrándolo a través de su eje vertical. Con la ejecución de movimientos que desplazan el peso de dos pies a uno o de uno a dos, el balance, la postura, el aplomo y la transferencia del peso, deben de forma integrada aplicarse.

El aplomo le permite al bailarín/a moverse vertical mente hacia abajo y hacia arriba en el espacio con confianza.

El Balance (Equilibrio)

Se considera el equilibrio desde el punto de vista anatómico y estético. Para tener un balance anatómico debemos intersecar los tres planos del cuerpo:

*El sagital: que lo divide en lado derecho y lado izquierdo.

*El frontal: se divide el cuerpo en el plano anterior y posterior.

*El transverso: que lo divide en plano superior y inferior.

El Bailarín/a cuenta como principio dinámico al balance, tratando de percibir en todo su cuerpo, bien durante el movimiento o en una posición estática.

Para mantener el equilibrio, el bailarín/a constantemente reajusta las relaciones internas de una o mas partes del cuerpo, ya sea mientras se conserva una pose, se gire, o se desplace en las distintas direcciones.

Estéticamente, el bailarín/a selecciona las proporciones correctas del cuerpo para todas las diversas posiciones, con la armonía de sus partes infinitas relaciones.

Para lograr un equilibrio sobre dos o un pie, es necesario integrar los conceptos de elongación, de rotación y alineación en toda su totalidad integrada.

Para mejorar el equilibrio, hay que asimilar la ejecución correcta de los pasos y los ejercicios en las diferentes posiciones del ballet. Estas posiciones son del cual fluyen los movimientos del ballet otorgándole a este arte su plasticidad característica.

Rotación (en hedor)

La característica mas distintiva del ballet clásico es la rotación externa de las piernas, se debe emanar de la cadera.

El fémur rota por la acción de los de los músculos entre ellos :

_Seis músculos que rodean la cadera:

*Abductor interno.

*Abductor externo

*Piriformis.

*Cuadriceps.

*Femoral.

*Gemelo superior.

*Gemelo interior.

La rotación es un principio primario de la técnica del ballet.

El bailarín/a principiante - la rotación debe ser natural desde las caderas, esta puede ser entre 90 y 100 grados. Para mantener igual el nivel de rotación entre ambas piernas se requiere una apropiada alineación y colocación del torso. La rotación natural deberá mejorarse mediante la aplicación de los principios y de un adecuado control y tono muscular.

El bailarín/a Profesional- tiene una técnica más sólida y contundente.

La asimilación intelectual y kinesiológica de todos estos principios enriquecerá la psicomotricidad de los alumnos permitiendo el desarrollo de una base con técnica sólida.

Reglas y Protocolos del Ballet Clásico según su técnica

Trabajo en barra

El ballet requiere ciertos protocolos en la barra, que incluyen la aplicación de las siguientes reglas:

*Permanecer con los brazos en la posición preparatoria antes de iniciar el movimiento.

*Realizar la correspondiente preparación de brazos antes de iniciar los ejercicios.

*Realizar una pausa momentánea al finalizar los ejercicios con los brazos en preparatorio o en preparación.

*Cuando los brazos se encuentran en tercera posición, casi siempre deben pasar a través de la segunda posición, usando esta transición para regresar a la posición preparatoria.

*Cambiar de lado, cuando se trabaja con una mano en la barra, girando siempre hacia dentro de la barra.

Bases del trabajo de Centro.

La segunda parte de la clase se realiza en el centro del salón. Es ahí , el bailarín tiene una mayor libertad de movimiento para desplazarse a través del espacio.

En el trabajo de centro deberán aplicarse todos los principios básicos aprendidos en el trabajo de barra.

En el centro, el bailarín deberá concentrarse en:

*Aprender el vocabulario de los pasos básicos.

*Ejecutarlos correctamente.

*Incorporar los principios del ballet.

*Repetir los ejercicios de la barra en el centro.

*Movimientos lentos (adagio).

*Movimientos saltados (sautés, allegro).

*Pasos y movimientos de conexión introductorias.

*Pasos girados introductorios.

Los principios del ballet clásico deben ser también aplicados en el centro. Esto le permite al bailarín moverse con mayor facilidad y control durante la ejecución de las diferentes combinaciones de pasos.

Las combinaciones para los principiantes son cortas y generalmente contienen de uno a tres movimientos diferentes. Mediante la práctica de estas breves combinaciones el estudiante desarrolla precisión técnica y confianza.

Estos protocolos le dan al ballet su formalidad tradicional que a su vez constituye uno de sus rasgos clásicos más característicos. Algunos son el resultado de tradiciones que datan de siglos pasados y otros se han desarrollado para mejorar el procedimiento de la clase. Los protocolos del centro siempre están relacionados con la forma en la que el bailarín se presenta ante el público. Algunos de los protocolos en el centro son:

*Preparar el cuerpo con su correspondiente posición de brazos, cabeza y piernas antes de la ejecución de cualquier movimiento.

*Definir con claridad la dirección de iniciación de los distintos movimientos.

*Realizar la preparación de brazos (port de bras) indicada para cada movimiento.

*Finalizar correctamente las combinaciones, manteniendo por un breve instante la posición final.

*Ejecutar la reverencia al final de la clase, lo cual permite al bailarín prepararse para recibir los aplausos del público en sus presentaciones futuras.

Concepto de Metodología: Metodología es una palabra compuesta por tres vocablos griegos: metà (“más allá”),odòs (“camino”) y logos (“estudio”).

Es importante la distinción entre:

El método: Que es el procedimiento para alcanzar objetivos.

La metodología: Que es el estudio del método.

Se puede definir Metodología; al hecho de organizar un hecho, de que forma nos enseñan lo que aprendemos a hacer en una clase.

En el BALLET CLÁSICO, la clase, es la forma como se va a impartir la guía para el desarrollo de la metodología, o el método a enseñar, las diferentes Materias o Disciplinas.

Para el desarrollo y la dosificación de la Metodología, en el Ballet, tenemos que considerar los siguientes aspectos :

• Tema o Contenido.
• Técnicas Metodológicas.
• Recurso Didáctico.
• Evaluación.
• Actividades.
• Responsabilidad.
• Disciplina.

Cuando tenemos el conocimiento previo de la Metodología en el Ballet Clásico, no exige una preparación mínima y para que sea positiva y efectiva debemos tener presente lo siguiente:

• Claridad, Seguridad y Postura.
• Entrenamiento Introspectivo.
• Método o forma de trabajo.

Otros elementos más complejos que debemos considerar:

¿Que es una Escuela de Ballet?
Defino Escuela de Ballet, al conjunto de Características de Estilos, técnicas y las formas de proyectar los bailarines formados de principios similares, con la resultante del desarrollo cultural y artístico del país.
Las escuelas recogen asimismo, las influencias del desarrollo de la danza mundialmente hablando, sus tendencias, modalidades coreográficas, así como las grandes corrientes del arte en general.
El lenguaje del Ballet tiene elementos académicos comunes y pueden distinguirse entre diferentes escuelas Nacionales como:
Escuela Italiana, Escuela Inglesa, Escuela Cubana, Escuela Francesa, Escuela Danesa, Escuela Rusa, Escuela Norteamericana……

Escuela Italiana:

La academia de Baile Imperial se unio a la Scala de Milán en 1812, El periodo mas grande comenzó cuando CARLO BLASIS, el bailarín italiano y profesor, se hizo Director en 1837. Blasis publico dos Manuales, Tratado sobre el Arte de Baile y el Código de Terpsícore, en el que él codifico su enseñanza de métodos y todo lo que supieron de técnica del ballet Clásico. Estos Libros Forman parte de la base de nuestra educación ( entrenamiento moderna Clásica), Blasis formó a la mayor parte de los famosos bailarines de la época, como a Giovanni Lepra, que fue profesor de Enrico Cechetti, unos de los profesores mas grandes de la historia del Ballet Clásico

La Escuela Italiana, Desarrolla más la ligereza de pies y entrena a sus bailarines en giros y espectaculares saltos. La escuela italiana su técnica fuerte, virtuosismo de sus bailarines quienes asombran con pasos muy llamativos y con una estética muy elegante.

Método Cechetti (Enrico Cechetti) :

Es uno de los métodos mas destacados a nivel Mundial, se estableció el sistema de pasos en el Ballet Tradicional para las futuras generaciones de bailarines. El Método tiene un programa definido de rutina estricta e incluya una tabla principal de ejercicios diarios para cada día de la semana.

La sociedad Cecchetti fue fundada en Londres en 1922 para perpetuar su metodo de enseñanza. En 1924 fue incorporada a la “SOCIEDAD IMPERIAL DE LOS MAESTROS DE LA DANZA”, para permanecer a esta sociedad solo se podia acceder atraves de un examen que los bailarines debian pasar, a través de un cuídadoso sistema de grados, que era con el fin de poder elevar el nivel de su enseñanza en todo el imperio britanico.

Enrico Cechetti, se desempeñó como bailarín destacado en San Pete4rsburgo ( Rusia), con sus gran capacidad sobre la técnica para la danza académica, ha producido cambios en los métodos de enseñanza del ballet, Para ello Fundó su propio metodo- el cual lleva su apellido, del que fueran alumnos/as varios de los principales bailarines imperiales: Ana Pavlova, Massine, Nijinsky.

Esta técnica ha sido acogida también por los maestros y profesores de la danza clásica más actuales, por unir el presente y el pasado del ballet y evolucionar y darle un aire nuevo, fresco y contemporáneo a la danza académica.

En 1.918 abrió su escuela de danza en Inglaterra, de la que se decía que su metodología era tan buena que un bailarín en sus años de estudios no podía pasar por alto, para considerarse un bailarín.

Tras la muerte de Cecchetti, fueron Cyril Beaumont y Stanislas Idzikowsky, Margaret Craske y Derra de Morada, quienes decidieron codificar el Método Cecchetti para que se pudiera continuar utilizando para perfeccionar la técnica de los bailarines.

Son muchas compañías que existen hoy del Ballet Clásico que actualmente utilizan este Método, internacionalmente, como el Ballet Nacional de Canadá.

La escuela Italiana propone en su método 9 posiciones básicas de Brazos, algunas de las posiciones tienen similitud con las escuelas de Francia y Rusia, pero son nombradas bajo otra orden, descripción y división.

Cecchetti, ha incluido posiciones que son de uso corriente en las coreografías clásicas dándoles un nombre para su técnica. Para los corógrafos y maestros del Ballet que estudian y componen según la técnica derivada de la Escuela Italiana de Danza Clásica, las correctas colocaciones de brazos son estas:

Primera Posición:

Los brazos se sitúan bajos y relajados a los lados del cuerpo, con ambas manos llegando hasta la altura de las caderas, de esta forma no se tapa ninguna parte del torso o piernas, cayendo desde los hombros en una curva suave y redondeada. Se realiza generalmente durante la detención de una coreografía, o cuando se espera para comenzar un ejercicio del centro de salón de clases.

Segunda Posición:

La colocación esta es abierta con respecto a la ubicación de las extremidades superiores. Es igual que la 2º posición de la escuela de Ballet Francés o el método Vaganova, también conserva el mismo nombre en cada caso.

Ambos Brazos están separados hacia los costados y lejos de la línea del eje corporal. La espalda e mantiene plana, elevándose el cuello para dar una mayor notoriedad y proyección con la imagen. Los dedos, los codos y los hombros forman una línea curva pero imaginaria que va desde una mano a la otra.

Tercera Posición:

No es muy utilizada, pero existe como variación según está técnica. Combina dos posiciones Italianas, colocando un brazo en un demi-segunda-posición, y la otra extremidad superior siguiendo la descripción de una quinta posición en básica de los brazos. Pueden hacerse, según la necesidad del paso, con uno u otro brazo en cada posición, indistintamente.

Cuarta Posición adelante:

Cecchetti, decidió incluir en la nomenclatura del ballet esta colocación, ya que es de uso muy común para los bailarines del ballet.

Por ejemplo: al preparar una pirouette en dehors o una pirueta en dedans.

Las extremidades usan esta ubicación para luego juntarse delante del esternón. Acompañando el movimiento de un relevé passé al subir la pierna hasta la parte posterior de la rodilla de base. Permite combinarse ambos brazos uno en 2º posición básica, y el restante en quinta poción en avant, siempre de acuerdo con la técnica Italiana.

Cuarta Posición en Alto:

La 4º colocación superior responde a dos bras posición del método Italiano: la 2º y la 5º posición de brazos en Aut. Cada Extremidad realiza una de estas posiciones, estando permitido hacerse 5º o 2º tanto con el derecho como con el Izquierdo. Los codos se mantienen arqueados, con los hombros bajos a pesar de que un brazo se eleve. No puede observarse un hombro mas alto que otro , se mostraran como en una línea horizontal.

Quinta Posición abajo:

Los brazos se corresponden con la inicial francesas, ya que las extremidades se posicionan bajas como aquella, y por delante del cuerpo. Con un aspecto redondeados los codos y las muñecas, a la vez que quedan enfrentados los dedos de las manos, relajados y ocultando los pulgares. El torso se alarga para aliviar las piernas y no dar sensación de pesadez al conjunto de ellas.

Quinta posición adelante:

Desde los hombros hasta los dedos de ambas manos unidos en línea media del cuerpo, dando un aspecto de ovalo. A las personas que comienzan a hacer ballet se les dice para orientación que es como si cogieran una gran pelota a la que deben sujetar con los brazos. Así comprenden la correcta manera de disponer las extremidades sin tensión pero con una colación muy especifica usando la fuerza de los músculos intencionados de la espalda y los brazos. Los codos sostienen apenas por debajo de la altura de los hombros, sin dejarlos caer. La quinta posición en delante de los brazos es igual que la 1º poción de las academias rusas.

Quinta posición en alto:

Como todas las 5º posiciones de la escuela Italiana, los brazos se junta en esta ultima colocación a la altura de las manos, levantándose por encima de la cabeza, alargando las extremidades sin descuidar su forma ovalada, las manos sin tensión deben visualizarse sin tener que flexionar el cuello hacia atrás, lo que es conveniente que se sitúen un poco adelante del eje transversal del bailarín/a. Los hombros no deben ni elevarse en demasía ni intentar bajarse forzosamente, ya que al querer llevas los brazos en alto, es común que el principiante ponga demasiada tensión en esta zona del cuerpo. Los Brazos deberán ubicarse en paralelo y horizontal, rotando externamente la articulación escapular, en una buena apertura de los codos, desde las escápulas que los codos se modifican.

Escuela Inglesa:

The Royal Ballet ( El Ballet Real), primera compañía de Ballet, del Reino Unido , por residencia en el Covent Garden , Londres, Ingrlaterra, la Royal Opera House.

En 1931 Fue fundado por Dame Ninette de Valois con el nombre de Vic-Wells BALLET, actuando en los teatros Sadler´s Wells y Old Vic hasta 1946. Más tarde pasó a llamrse Sadler´s WELLS Ballet.

En aquel tiempo, de Valois, que era su Directora Artística, fue invitada para ofrecer la compañía a la R.O.H, como compañía de Ballet permanente de la ópera nuevamente fundada bajo la dirección de David Webster.

En 1933, fue nombrado Sir Frederick Ashton, como Coreografo. En 1939, la mayoría de ballets importantes ya había sido respuesto por Nicholas Sergeyey.

En 1956 el Sadler´s Wells Ballet y la compañía de danza del Sadler´s Wells Theatre se fusionaron para formar lo que cnocemso como The Royal Ballet (El Ballet Real), siguen la linea del método Vaganova.

Escuela Rusa:

La escuela se estableció como Escuela Imperial de Teatro por decreto de la Emperatriz Anna , Contando como su director al Maestro del Ballet Francés Jean-Baptiste Lande, el 4 de Mayo de 1738.

Los primeros estudiantes fueron doce chicos y doce chicas, y las primeras Clases ocuparon habitaciones vacías en el palacio de invierno en San Petersburg .El Propósito de la escuela fue formar la primera compañía profesional de baile de Rusia, que llevara a la formación del Ballet Imperial Ruso, es el antecesor derecto del actual Ballet Marinsky, que se considera como una de las compañías lideres en el mundo del Ballet, con la Academia de Vaganova, como su escuela asociada.

Casi todos los primeros maestros en la escuela fueron de Europa Occidental,incluyendo: Franz Hilferding y Giovanni Canzianni. El primer maestro ruso de la escuela fue Ivan Valberg.

Después de la expansion del Ballet en Europa, el desarrollo de la escuela fue influido por varios maestros y métodos, incluidos: Johannson, Bournonville, y los métodos Italianos como Enrico Cecchetti, Pierina Legnani y Carlotta Crianza.

Otros Bailarines renombrados del siglo XIX y maestro de Balelt que enseñaron e influyeron en el desarrollo en la escuela son: Charles Didelot, Jules Perrot, Arthur Sant-Léon, Lev Ivannov, Marius Petisa y Mikhail Fokine.

La escuela se encuentra desde 1836, en la calle Rossi en San Petersburg.

En la revolución rusa de 1917, la escuela Imperial del Ballet fue disuelta pro el Gobierno Soviético y restablecido luego en el mismo sitio, como la Escuela Estatal Coreográfica de Leningrado. El Ballet Ruso Imperial, fue disuelto a consecuencia de la revolución y fue restablecido como El Ballet Soviético. La Compañía fue Renombrada como el Ballet Kirov, en Homenaje Sergey Kirov, Bolchevique revolucionario, asesinado en 1938.

A pesar de ser cambiada de nuevo el nombre del Ballet, al actual Nombre Marinsky, la compañía aun es conocida por los espectadores, en occidente comúmente como el Ballet Kirov. Y la compañía en sus giras internacionales utiliza el titulo de Ballet Kirov.

Método Ruso:

Tras leer la historia del Ballet Ruso se puede decir que La escuela Rusa tiene una fusión Occidental, cabe destacar en 1885 Virginia Zuchi una famosa bailarina italiana, aparecio en San Petesburgo y creó sensación con su destreza y brillante técnica Italiana, que se diferenciaba de la suavidad, gracia elegante técnica Francesa, lo cual prevalecio en Rusia ese momento. Otro Bailarin como Enrrico Cechetti, llego a Rusia y continuó exaltandolos a los Rusos con su impresiones y brillantes Piruetas y Fuettés.

Los Bailarines Rusos rápido aprendieron todo loque los italinos tenia que enseñar y los incorporaron a su sistema Ruso , así que la Escuela Rusa de Ballet, es un desarrollo de la escuela Italiana y Francesa. Durante la decada de 1920 la Bailarina y maestra Rusa Agrippina Vaganova desarrollo el sistema Vaganova, donde se convirtió en el método básico de la escuela de toda la Unión Sovietica.

La Academia de Ballet de Vaganova, es una de las escuelas más famosas e influyentes del Ballet Clásico del Mundo. Fue conocida como la Escuela Imperial de Balelt y el Instituto Estatal Coreográfico de Leningrado.

Hay otras variaciones, sin embarbo Academia Vaganova de Ballet es el titulo Oficial y oficioso utilizado en muchos países.

Establecida en 1738, la academia se encuentra en San Petersburgo, Rusia y es denominado asi renombrada por la pedagoga Agrippina Vaganova, desarrolla el metodo de la Instrucción del Ballet Clásico, se a adoptado el Metodo Vaganova en su propia institución.

La Academia Vaganova de Ballet, está asociada del Ballet Mariinski, una de las Compañias de Ballet del Mundo , Como el Teatro Bolshói, el Royal Ballet, El American Ballet Theatre, y el Teatro Mikhaylovsky.

El sistema Vaganova, en 1934 encabezó El istituto Técnico de Coreografia de Leningrado y publico su libro de texto “ Fundamentos de la Danza Clasica”

Escuela Danesa: (Método Auguste Bournonville)

Auguste Bournonville, fue el gran renovador del teatro y especialmente del BALLET, Fue el Maestro del ballet, desde (1830-1877) Fue Coreógrafo y solista del Royal Danish Ballet, durante 50 años. Su vocación, se puede decir que ya venia de su generación, ya que su padre había estudiado con Noverre y en su tiempo fue uno de los mejores bailarines. Pero August Borurnonville creó su estilo personal basado en la fuerza y la expresión, Ambas características persisten en el Ballet Danes hasta fecha actual. Después de trabajar en la opera de Londres y Paris, volvió a Copenhague como solista y coreógrafo del Royal Danish Ballet. Fue un bailarín con una gran fuerza expresiva y de una consumada pantomima, cualidades que enfatizó en todos sus ballets. Su estilo coreográfico también reflejo el acercamiento al pre-romance del profesor Vestris. Muchos de sus ballets han estado en el repertorio del Royal Danish Ballet, durante más que un siglo. Entre los años 1861 y 1864 ha dirigido la Royal Swedish Opera en Estocolmo ( Suecia), represento alguno de sus trabajos en Viena durante 1855 a 1856.

Con frecuencia unió su arte a la ejecución de temas corrientes y en dicha ejecución, y en las formas de expresión, captó los principales conflictos de su época, las violentas tensiones entre el orden y la inarmonía, entre las fuerzas constructivas y destructivas, Como Sujetos de Amor sus ballets, representaron las luchas por un lado, entrega, el matrimonio y la lealtad y por el otro la desenfrenada y salvaje, pasión erótica. The Royal Theater ejecuto 53 trabajos, de Bourmonville, algunos son clásicos aun en esta época, como Fokesagn ( Una leyenda popular) en el año 1853. El periodo mas productivo fue entre los años 1848 y 1855 donde se estrenaron sus mejores trabajos: Konservatoriet ( El Conservatorio) 1849, Kermessen i Brügge ( Kermes en Brügge) 1851, Brudefaerden i Hardanger ( Procesion de Boda en Hardanger) 1853, y mencionado anteriormente Et Folkesagn.

En 1877 Regreso a Dinamarca, se retiró y fue condecorado con el titulo: Sir. August Bournonville, murio el 30 de Noviembre de 1879 en la misma ciudad que le vio nacer, Copenhague.

El Mayor logro que ha conseguido y desde luego el mas importante para el mundo de la danza consistió en elevar la disciplina del Ballet, su técnica y su repertorio al nivel de las mejores compañías de Europa dando, en su peculiar personal estilo, impotencia significativa no solo a los bailarines Masculinos si no a ambos sexos.

Escuela Cubana:

En el año 1931 se crea la Escuela de Cuba, cuando se funda la Escuela Nacional de la Sociedad de Arte Musical en la Habana, este fue motor impulsor y punto de partida del ballet de Cuba. La escuela ha marcado pautas en el Ballet Clásico, se formaron leyendas de la danza como Alicia Alonso, Fernando Alonso o Ramiro Guerra.

Desde los comienzos la institución creó un repertorio pequeño en un inicio que luego fue ampliándose debido a las exigencias cada vez más crecientes del público nacional.

La Escuela Cubana buscó desde sus inicios la manera propia y única de la enseñanza y ejecución, danzaría, tomando de las escuelas Francesas, Rusas Británicas, Americanas, lo mejor y mezclando todas las raíces culturales de Cuba.

Se creó la Academia de Ballet ALICIA ALONSO, a mediados del sigloXX, desempeñando un papel crucial en el desarrollo de la danza en el país y se coloco como gestora insigne del Método pedagógico de la escuela Cubana de ballet, que en la actualidad cuenta con mucho prestigio a nivel mundial.

En 1959 , con el triunfo de la Revolución Cubana, la escuela pierde su carácter privado y pasa a formar parte de la Escuela Nacional de Arte, con la meta fundamental de crear las bases del sistema de Enseñanza del Ballet, poniendo en marcha las prácticas netamente Cubanas. Es a partir de aquí que la enseñanza del ballet en cuba, a Alicia Alonso.

A pesar de la poca experiencia en la enseñanza de sus iniciadores, Fernando Alonso su primer director, preparó bailarinas de la fama internacional, labor continuada por Ramona de Saa, principal artífice de la creación e implantación nacional del método cubano de la enseñanza del Ballet.

El Claustro de Profesores, seleccionado meticulosamente, imparte cursos en todo el mundo. La calidad de la escuela esta avalada por numerosas medallas y premios recibidos en diferentes certámenes en todo el planeta. La Institución realiza cada año el Encuentro Internacional de Academias para la Enseñanza del Ballet, con el Maestro Fernando Alonso, como presidente honorario. La Cifra de estudiantes y profesores extranjeros aumenta todos los años. Este certamen tiene además del propósito competitivo el de intercambiar experiencias en plano docente y artístico.

Esta Escuela nacional tiene desde el año 2000, su sede en un bello palacete Paseo del Prado, el edificio fue restaurado y adoptado para dar mas facilidades a las actividades.

• Ligereza de pies, la brillante interpretativa, de la escuela Italiana.
• La corrección y la limpieza de la escuela Inglesa.
• La fortaleza y virilidad del bailarín de la escuela Rusa.

Escuela Francesa:

Método Frances: La escuela francesa de ballet empezó en las ceremonias en las cortes de los Monarcas Franceses. Luis XIV, estudió con el famoso maestro de ballet Pierre Beauchamps y estableció la primera Academia de Danzas conocida como La Academia Royal de Música y Danza de París, en 1661. La escuela de danzas de la ópera fue fundada en 1713 y ahora se le conoce como: La Escuela de Danzas del Teatro Nacional de la Opera.

Entre los más famosos maestros de ballet están Beauchamps, Pecour, Lany, Noverre, Vestris, Gardel, Taglioni, Mazilier, Saint-León, Merante, Staats, Aveline y Lifar.La escuela Francesa fue conocida. Por su elegancia, suavidad y la gracia de sus movimientos, antes. Que una técnica virtuosa. Su influencia se expandió por toda Europa y es la base de toda enseñanza del ballet.

Así como existen posiciones de pies básicas, también hay dentro del código de la danza académica posiciones específicas de las extremidades superiores.

El ballet, como puede verse en, nació en las cortes italianas pero al pasar a Francia toma carácter académico. Por lo cual, la mayoría de su terminología se escribe y pronuncia en idioma francés, ya que allí se asentaron por primera vez los pasos y colocaciones base de toda danza.

Entonces, es quien propone en sus inicios las 6 posiciones principales de brazos. Se asocian a las colocaciones de los pies del ballet, ya que a cada brazo corresponde una posición de las piernas.

A pesar de esto, hay diferentes maneras de combinar las extremidades inferiores y posteriores, a la vez que las variaciones de altura o uso durante la ejecución de un paso de danza son infinitas. Esto depende estrictamente del gusto del coreógrafo o maestro, al marcar una variación o pieza coreográfica de acuerdo al estilo que se le imponga a ésta.

Para aquellas academias de ballet que siguen la metodología aportada por la Escuela Francesa, las colocaciones elementales de los brazos al bailar son las que se detallan a continuación:

Bras au repos:

Esta posición es la también llamada "brazos en reposo", ya que las extremidades superiores se encuentran por debajo del ombligo, de manera redondeada en los codos. Los dedos de ambas manos se enfrentan, relajando los pulgares. Es similar a la "posición inicial" utilizada en la Escuela Rusa de ballet.

Primera posición (Première bras position ):

Se rota la articulación escapular para abrir los hombros, colocando ambos brazos en forma oval. La altura que deben guardar las manos se fija trazando una "línea horizontal imaginaria" desde el esternón hasta ellas. Los dedos pulgares se esconden detrás de la palma, ya que de frente debe mostrarse el dorso de la mano. Los codos no caen, sino que se sostienen apenas por debajo de la altura de los hombros. Es muy usada durante pirouettes, pasos de traslado donde se juntan o cruzan los pies, y es una posición de pasaje para pasara otra colocación de los brazos.

Segunda posición (Deuxième bras position):

Así como la 2° colocación de los pies es abierta, con la posición de los brazos ocurre exactamente lo mismo. Ambas extremidades se sitúan simétricas una de la otra, separadas hacia los costados y a igual grado de la línea media del cuerpo. Los omóplatos bajan para permitir que la musculatura se estire y la posición se proyecte más lejos de los dedos de la mano. A pesar de estar abiertos los brazos, las articulaciones de los codos y las muñecas deben redondearse inclinándose levemente desde el hombro hasta el dedo índice.

Tercera posición (Troisième bras position):

La 3° colocación superior corresponde a la conjunción de dos bras positions básicas: la 2° y la 5° posición de brazos. Cada brazos ejecuta una de ellas, pudiendo hacerse tanto con derecha como con izquierda arriba. La segunda de brazos es la explicitada en el punto anterior, mientras que el brazo en alto debe atender a un levantamiento por encima de la cabeza del bailarín, con los codos arqueados y los dedos de la mano dispuestos en un conjunto armónico direccionados hacia adentro. Los brazos deben adelantarse un poco en relación al eje del cuerpo, permitiendo que quien ejecute esta postura pueda ver sus manos sin necesidad de mover el cuello hacia arriba.

Cuarta posición (Quatrième bras position):

Un brazo se levanta hasta llegar a la 1° colocación de brazos, sin cruzar la línea media del cuerpo. Es de vital importancia sentir que el codo no está en el aire, sino que debe intentarse pensar que éste se apoya imaginariamente en algo, para que no modifique la línea de los brazos ni pierda sostén el cuerpo. La otra extremidad superior es llevada a la quinta posición como se explica en la postura siguente. El orden de los brazos puede variar de acuerdo a la necesidad del paso o el ejercicio durante la clase de danza.

Quinta posición (Cinquième bras position):

Esta colocación supone que ambos brazos van levantados ligeramente por arriba y delante de la cabeza, alargándose pero sin perder su forma oval. Tampoco deben elevarse los hombros, al intentar mantener los brazos en alto, sino que éstos se encuadran paralelos y relajados para lograr mayor elongación de la musculatura de la espalda y los brazos. Las costillas se juntan, ajustando el centro del cuerpo, como en todas las colocaciones anteriores. Los codos se abren hacia el exterior, del mismo modo que las rodillas empujan hacia afuera al realizar un demi-plié.

Escuela Norteamericana:

Es una mezcla de la escuela rusa, de la escuela italiana y de la escuela inglesa por la variedad de maestros y coreógrafos, que contribuyeron a formar su estilo, para poseer en común la dinámica de espacio escénico y la adaptación de algunos elementos técnicos de la danza moderna.

Historia del tutú:

Karinska, fue la creadora de los más bellos tutes, modista rusa

Un tutú debe ser una indumentaria de esplendor visual para la audiencia, proporcionando placer y seguridad a la hora de bailar. La elección del vestuario de ballet para el bailarina es un tema fundamental.

Balanchine es considerado el padre del ballet clásico americano y como él, merece el título de la madre del vestuario del ballet clásico una mujer; conocida simplemente como Karinska.

Un tutú debe capturar la esencia del ballet clásico, realzando y reflejando la belleza de la bailarina. El vestuario para una gala de danza clásica es un ritual que va más allá de la creación de un tutú.

La definición de tutú es amplia, pero sabemos de qué se trata.

El concepto moderno de tutú es según la definición que hicieran de él Karinska y Balanchine creando la famosa frase "el tutú es como un soplo de polvo".

Antes del tutú Balanchine-Karinska, el tutú era más común, más simple. Eran tutús que podían ser vistos en muchas de las pinturas de Degas o el clásico tutú más corto, el de crepe, antiguo y rígido.

El bordado ruso, era una forma de arte muy notoria e importante en Rusia, destacándose el de las cortinas detalladas con colores y texturas que variaban en sus puntadas. Tenían en general algún bordado minúsculo y fino y otros amplios y ásperos. Éste medio artístico era la profesión de Karinska.

Sus creaciones eran tan sofisticadas y únicas, que llego a alcanzar notoriedad como artista de ese medio. Su negocio prosperó y creó una tienda de sombreros y de vestidos antiguos., se convertiría por su notoriedad ,en la Comisar de Museos de Moscú.

Ya en París, una nueva compañía de ballet clásico llamada "Ballet Clásico Russes de Monte Carlo" le solicitó la creación de los trajes para su primer ballet titulado "Cotillón" . La coreografía estaba creada por otro ruso llamado George Balanchine. Christian Berard, diseñador y fotógrafo de gran renombre y prestigio, realizo el diseño y proporcionó un bosquejo general, una idea, de lo que deseaban para el nuevo ballet; pero sería Karinska quién expuso y creó sobre el concepto creado por Berard, modificándolo, eligiendo la tela, la calidad y la cantidad, y decidiendo cómo seria el concepto, la idea, la magia. Toda su creatividad fue puesta en ejecución. Karinska, Balanchine, y Berard estudiarían cada ballet y colaborarían en la creación de su vestuario. Con el tiempo este tema sería dejado solamente a Karinska.

Ella se convirtió en París, en la representante única de la creación de trajes para ballet. Tanto fue su éxito que Berard creo con sus diseños varias cubiertas para la ya famosa revista de modas Vogue.

En 1932 tras la apertura de su tienda en París, Karinska vistió seis ballets clásicos de Balanchine antes que él se fuera definitivamente a Nueva York.

En 1936 preparo el vestuario del ballet "Estaciones" ballet que seria presentado por los Ballet Clásicos Russes en el Covent Garden de Londres, en donde abrió otra tienda de vestidos y bordados.

Paralelamente en Nueva York, Balanchine funda la escuela de ballet clásico americano con Lincoln Kirstein y crea el American Ballet Company. En 1940, Karinska abre una tienda más en Nueva York. El tutú de crepe largo, favorito de Balanchine, era usado con frecuencia. Con sus múltiples capas de tules sin atar, este traje se movía y flotaba cuando los bailarines saltaban. Sin embargo los bailarines como el público no podrían ver sus piernas.

Acortar la falda del tutú era una solución y un reto, permitiendo así ver las piernas de los bailarines completamente. El nuevo traje Balanchine - Karinska tenía seis o siete capas de la red recolectada, cada capa era media pulgada más larga que la capa precedente.

La alineación era fluida e inexacta. Las capas fueron clavadas con tachuelas juntas para permitir la mirada mullida, floja, efímera del tul sobre las piernas del bailarín y para descender, debajo de la cintura del bailarín. Este era el tutú que hacia a las bailarinas soñar con bailar. Este tutú, más que cualquier otro, ha venido a simbolizar nuestra noción del ballet clásico. Es el icono del ballet clásico. La unión de Balanchine y de Karinska que hizo un estándar en la historia del ballet simbolizando una nueva mirada en 1950, una obra clásica, conocido como el Balanchine - Karinska - Tutú. Debido a su semejanza a un soplo de polvo fue llamado el "tutú soplo de polvo".

Balanchine dijo, "atribuyo el cincuenta por ciento del éxito de mis ballets clásicos a los trajes que Karinska ha creado”. Los setenta y cinco ballets clásicos de Balanchine fueron realizados con vestuario de Karinska creando sus realizaciones más notables. Ella fue una maestra establecida y reconocida en trajes y diseños de vestidos.

En España cabe destacar a Francis Montesinos como diseñador del vestuario “ El Lago de los Cisnes” Para el ballet Nacional de Cuba.

Ballet contemporaneo

La danza contemporánea ha sido una evolución de la danza Clásica y romantica, Los Movimientos corporales son propios del siglo XX y XXI, es un a clase de danza en la que se busca expresar, a través del bailarín, una idea, un sentimiento, una emoción. Al igual que el ballet Clásico. Pero es cien por cien interpretativa, Los movimientos se sincronizan con la cabeza y tratando de comunicar un mensaje, Amplía en el campo de movimiento, y utiliza el espacio con mayor posibilidad. Se Distingue también por la utilización del uso de multimedia acompañando coreografías, como video, imágenes usados de fondo, inclusive se incorpora lenguaje verbal.
En la Actualidad no tiene nada que ver con la danza moderna que ahora se hace llamar Danza Contemporánea, esta necesidad de expresarse libremente, este arte, con sus dotes interpretativas, llevando a la danza a bailar descalzo, con indumentaria en el vestuario fuera del ballet Clásico, haciendo que se convierta en, transgresora, actual y libre, actualmente todo cabe.
Se ha introducido incluso el lenguaje corporal y audiovisual, bailar en vez con música con ruidos. Cabe destacar a Martha Graham y Jose Limo:

Método Graham

La danza de Martha Graham

Su estilo lleno de espiritualidad, simbolismo, psicología y fuerza expresiva, la bailarina y coreógrafa estadounidense Martha Graham, creadora de uno de los métodos más famosos de la danza contemporánea, nació el 11 de mayo de 1894 en Pittsburgh, Pensylvania.

A pesar de no tener aptitudes técnicas de sus compañeras, poseía una cualidad que la distinguía de las demás: su extraordinaria tenacidad y entrega emocional de Martha eran excepcionales y compensaban cualquier tipo de carencia.
En 1926, fue cuando debutó como artista independiente en Nueva York.

"Haré este tipo de trabajo o cualquier otro que desee hasta que el público me indique que debo detenerme", fue la respuesta que dio la bailarina a las críticas recibidas de sus maestros cuando decidió abrirse camino sola. Como maestra, Martha reclamaba la más absoluta entrega, en sus clases nadie reía, charlaba ni murmuraba. No había ni "buenos días" ni "adiós", sólo se escuchaba su voz dirigiendo indicaciones. Para ella, la disciplina era la fuente del éxito: "El bailarín es realista, su arte le enseña a serlo. No importa si el pie está en puntas o no, ningún sueño lo pondrá en puntas por nosotros. Para ello se necesita disciplina, no sueños".

Su trabajo fue realmente revolucionario. Su necesidad de expresar la realidad de su país y lograr un estilo que se diferenciara del ballet europeo.
Las obras "Frontier" y "Appalachian Spring", la coreógrafa reflejaba la vida cotidiana del pueblo estadounidense.

Método José Limo

La Técnica esta basada en todas la expreión alegrias, penas, dudas, terrores, incertidumbres, fracasos, aciertos, Tristezas, de la vida moderna y conceptual. Así a Modo de Inspiración.

Antes de que el lenguaje fuese inventado, el ser humano sintió la necesidad seguramente instintiva y la capacidad de danzar.Hay una danza para cada experiencia humana. Sabemos que no todo esto es placentero. Por consecuencia, con frecuencia tratamos temas serios y hasta trágicos. Para hacer esto, tuvimos que desarrollar un nuevo vocabulario de gesticulación y movimiento.

La nobleza y el magnetismo de Limón podrían ser comparados con las de su colega y contemporáneo, Rudolf Nureyev, quien en sus últimos años bailó la obra de Limón inspirada en Otelo, The Moor’s Pavane.

Bailes de Salon

El baile deportivo es una disciplina menos conocida que los bailes de salón. Este tipo de baile es mucho más exigente y el nivel técnico que requiere es enorme. Aunque no esté tan extendido como los bailes de salón, el baile deportivo se practica en todo el mundo y cada día son más los adeptos a esta modalidad de baile.

Mientras que los bailes de salón son más relajados, más de “ocio”, los deportivos son eso, un deporte. De hecho, en los Juegos Olímpicos de Sidney 2000 se presentó una pequeña demostración de este tipo de bailes y se está estudiando la posibilidad de que se conviertan en un deporte olímpico.

Y es que son muchos los requisitos técnicos y físicos que hay que reunir para convertirse en un bailarín deportivo de alto nivel. Estas son algunas de las aptitudes que debe reunir un bailarín deportivo al más alto nivel: Una excelente fuerza y forma física, agilidad y coordinación, interpretación musical, resistencia, gracia y estilo, disciplina y trabajo en equipo, etc.

Existen cuatro grupos o estilos en el baile deportivo internacional:

• Los bailes estándar: Vals Inglés, Vals Vienés, Slowfox, Quickstep y Tango.
• Los bailes latinos: Cha cha cha, Samba, Rumba, Jive y Paso doble.
• 10 bailes: 5 estándares y 5 latinos.
• Baile en formación: Equipos de 10 parejas bailando bailes latinos o estándares.

Cha Cha Cha:

Para encontrar los orígenes del Cha cha cha debemos acudir a la música que generó este estilo. En 1948, Enrique Jorrín reorquestó un popular canto mejicano mezclando dos ritmos cubanos: “el Danzón” y “el Montuno”.

Esta canción fue grabada y difundida 5 años más tarde con el título de “Engañadora” y fue un gran éxito. Pero esta canción tenía una particularidad que los bailarines de la época apreciaron casi al instante: la canción tenía tres golpes de bongo muy juntos. Estos golpes fueron el origen del baile del Cha cha cha. Y también fueron el origen de su nombre: Cha cha cha, como los tres golpes del ritmo.

Jive:

Aunque el término "jive" era utilizado para indicar la manera de bailar sobre la música jazz/swing durante los años 30 y 40, actualmente el baile “Jive” es el equivalente del Rock en el baile deportivo y se baila en 6 tiempos.
El Jive actual forma parte de los 5 bailes latinos de competición. La característica esencial del Jive es el movimiento pronunciado de las caderas (características de los bailes latinos de competición).
En competición, el Jive se baila sobre un ritmo musical 4/4 a una velocidad comprendida entre 44 y 46 MPM. El Jive es, de todos los bailes latinos de competición, el que más resistencia física requiere.

Pasodoble

Sin duda alguna, el Paso Doble posee muchas influencias del flamenco. El carácter de este baile es arrogante y apasionado. La música de esta danza evoca imágenes de la tauromaquia y de España, lo que deja muy claro los orígenes de este baile.
Y es que los orígenes de este baile nos sitúan en las corridas de toros del S.XVII. La entrada de los toreros en la plaza se hacía con una música muy marcada y con un aire marcial.
A principios del S.XIX una danza evolucionó sobre esta música y siguiendo con ese espíritu de las tardes de fiesta taurina. El Paso Doble es como una puesta en escena en la que el hombre es el toreador y la mujer es la capa. El conjunto de la danza se da con el bailarín, la bailarina y el toro imaginario.
El Paso Doble se baila sobre un tempo medio de 2/4: de 60 a 61 MPM.

Rumba

Muchos consideran a la Rumba como el baile del amor. Los movimientos lentos de los bailarines dan a este baile una sensualidad particular, que no deja indiferente a nadie.
La Rumba tiene su origen en las danzas populares de Cuba, principalmente “la Habanera” o “La Guajira”. Su nombre viene del término que según la tradición cubana significa bailar: “rumbear”.
La primera versión de Rumba que se conoce surgió en el año 1920 con el nombre de “Rumba-Bolero”. Es una rumba lenta en la que los bailarines bailaban muy cerca el uno del otro. Era parecida al Slow moderno que se conoce actualmente.
Pero la Rumba como actualmente la conocemos aparece en los años 40, desarrollada en Estados Unidos y en Inglaterra. En esta Rumba los bailarines están más distanciados, lo que permite intercalar fases dinámicas con gestos lánguidos. El asentamiento del estilo definitivo de la rumba se produjo en 1947, en Milan, durante un congreso internacional de profesores de baile.
La Rumba que se baila en competición no tiene nada que ver con la rumba de los orígenes (excepto pro la música). Ésta se baila sobre un tempo lento de 4/4: de 26 a 34 MPM generalmente y de 28 a 31 en competición.

Samba

Originaria de África pero descubierta en Brasil, la Samba es una danza de Ámerica del Sur. Muy integrada en la cultura brasileña, esta danza es el símbolo de la fiesta del Carnaval de Río. Su nombre viene de la palabra “Sembe”, que quiere decir “ombligo”.
La música Samba surge de la música de percusión que tocaban los esclavos africanos en Brasil. El efecto hipnótico de estos ritmos fue el origen del baile de la Samba.
La Samba no llegó a Europa hasta principios del S.XX aunque no fue hasta finales de la década de los 30 y principios del década de los 40 que la Samba se popularizó, gracias a su aparición en películas de Hollywood.
A raíz de ese boom, poco a poco la variante internacional de la Samba va cogiendo forma y fue estandarizada para las competiciones de bailes deportivos latinos. Aunque la Samba que se baila en Rio en sólo, poco tiene que ver con la Samba de pareja internacional. La Samba se baila sobre un tempo rápido de 2/4 (a veces de 4/4): de 50 a 60 MPM.
Queremos concluir con una curiosidad musical. Y es que la mezcla de Samba y de Jazz a finales de los años 50 dio nacimiento a la aparición de la Bossa-Nova.

STANDARES

Quickstep

Alrededor del año 1920, algunas orquestas comenzaron a tocar canciones de “Fox-trots” a un ritmo más rápido de lo habitual, con lo que el ritmo de este baile se hacía más rápido, para seguir la música.
Este fue el origen del Quick Step, como su propio nombre indica: “Quick” significa rápido y “Step” es pasos.
El Charleston también ha tenido una importante influencia en este baile. De él son los pequeños saltos que se dan en el Quick Step. El Quick Step se baila sobre un tempo rápido de 4/4: de 54 a 56 MPM.

Slow Fox

Este baile es una variante del Fox-Trot. En el año 1916, el Fox-trot (que se bailaba sobre bases de tempo medio) fue adaptado a ritmos más lentos. Así se crearon las bases del Slow Fox, abreviación de “Slow Fox Trot”.
Es a finales del año 1918 que el Slow Fox empieza a tener repercusión en la gente y que empieza a bailarse más asiduamente. 'A este baile se le llega a bautizar como “Jazz Roll”.
El Slow Fox ha sufrido muchas importantes variaciones desde ese año. Y gracias a ellas se ha convertido en la danza de movimientos fluidos y suaves que conocemos actualmente.
El Slow Fox se baila sobre un tempo lento de 2/4: de 29 a 32 MPM.

Tango

El tango es el baile de la pasión y de la melancolía. Este baile y sus multiples variantes dan la imagen de un juego incesante entre los bailarines. La corriente argentina ha ido ganando adeptos y ha ido ofreciendo una imagen del tango que no siempre ha sido así. El tango atrae por el misterio y la pasión que se intuye entre los bailarines.
Los orígenes del tango se remontan al S.XIX cuando numerosos inmigrantes (españoles e italianos, principalmente) llegan a Argentina. Con ellas, desembarcaron en el país muchas variantes de música (y sus bailes asociados) que ayudaron a la creación del tango argentino.
La edad dorada del tango se sitúa en el año 1920, tanto en Estados Unidos como en Europa. Después de un pequeño declive en los años 50 (que se produjo incluso en la propia Argentina), el tango vuelve aún con más fuerza en los años 80, gracias a espectáculos y giras mundiales de bailarines especializados.
En competición de baile deportivo, el tango (al estilo internacional) está incluido dentro de los bailes estándar. El tango del baile deportivo es una danza progresiva, dónde la pareja bailar con las piernas ligeramente flexionadas y sin elevaciones.

Vals Inglés

Bailado en los salones de Europa desde los años 1700, el romántico Vals Inglés es un baile lento de pasos deslizantes derivado del Vals Vienés en ¾ tiempos. Pero no fue hasta la finalización de la primera guerra mundial que el Vals se popularizó.
En 1922, Victor Sylvester ganó el Campeonato de Inglaterra de Vals. Su coreografía estaba formada tan sólo por giros a la derecha, giros a la izquierda y cambios de dirección. Es decir, su coreografía tenía menos pasos de los que puede aprender actualmente un principiante. No fue hasta el 1927 que el Vals empezó a evolucionar, transformándose los movimientos de base del baile.
Las particularidades de esta danza son los movimientos ondulatorios de la pareja de arriba abajo y sus pasos deslizantes que recuerdan a los movimientos de un felino. El ritmo del Vals Inglés se ha ido poco a poco ralentizando ya que los compositores de baladas y de canciones de amor han ido poco a poco utilizando un tempo más lento y más adaptado.
Para terminar os queremos contar la leyenda de la creación del Vals Inglés. Se dice que este baile se creó gracias a la Reina Victoria de Inglaterra. Es después de un viaje de ésta a Austria que ella fue seducida por el Vals Vienés. Ya en Inglaterra ella pidió a su profesor de danza que le enseñara este baile pero éste, debido al problema de cojera de la reina, adaptó el Vals a los pasos de la reina. Así se dice que se creó el Vals Inglés.
El Vals Inglés se baila sobre un tempo lento ¾: de 28 a 32 MPM. La media se sitúa alrededor de 30 MPM.

Vals Vienés

La aparición del Vals Vienés es un poco incierta. Hay estudios que dicen que fue en el S. XII y otros que no fue hasta el S.XIII cuando apareció este baile. Pero si el nacimiento de la danza es una incógnita, su origen también lo es.
Desde un principio se pensó que el origen venía de Baviera, de un baile conocido como “La alemana”. Pero en el S.XIX los franceses (y más concretamente los parisinos), defendían que esta danza provenía de una danza llamada “Volta” y que se bailaba en “La Provence”. Lo que sí sabemos a ciencia cierta es que la primera melodía de Vals Vienés data del año 1770.
En el año 1816, el Vals Vienés fue aceptado por los británicos pero con cierta controversia. Muestra de ellos son las declaraciones de la señorita Celbart, en 1833 que dijo que esta danza podía ser bailada por las mujeres casadas, pero que en las solteras podía hacerlas perder la razón.
A mediados del S.XX el alemán Paul Krebs marca el estilo del baile del Vals Vienés tal y como lo conocemos actualmente.
El baile se popularizó entre la población. Pero no sólo de Europa, sino que también llegó con fuerza a EEUU, llegando a incluirse esta danza en muchas películas de Hollywood. El Vals Vienés se convirtió en la “danza de sociedad” de referencia, por las particularidades de este tipo de Vals. Sobre todo, su tempo más rápido.
El Vals Vienés se baila sobre un tempo medio a rápido ¾: de 44 a 64 MPM, aunque lo ideal es que esté entre 56 y 60 MPM.

Baile moderno

Como innovación, la Danza Moderna se construye y diseña según los factores de: Metakinesia:
El movimiento refleja la personalidad, experiencia y temperamento del bailarín y es funcional, con matices emocionales, de forma consciente.

Tiempo, Espacio y Dinamismo Pero la danza Moderna es Catalogada como Gym Jazz, Danza Fusionada o Contemporánea.

Espacio:

Cuenta con 3 planos espaciales básicos: horizontal, vertical y, otorgando la 3º dimensión, el uso de las diagonales.

Pero Vamos a hablar de la moda y de lo que a la gente en la actualidad le gusta para ello le denominaremos BAILE MODERNO

La música comercial Pop, la Dance, La Progressy, La Techno… han Hecho por un lado un baile mas Urbano y callejero con el Hip Hop, el Rup, Funcky, Dance Fusión y otros estilos libres de la música actual, para ello contamos con movimientos pelvicos, ondulaciones, donde se introduce la sensualidad de los movimientos con la rápidez y la agilidad mas libre a su ritmo acompasado, para ello sin olvidar la parte de carácter, expresión y la ejecución de diferentes pasos, saltos, giros, en su lado técnico para no tener lesiones.

La Danza Española

Introducion

Es Difícil de explicar algo tan complejo, variado, y lleno de matices como es la Danza Española. El carácter la pasión.

La Danza Española comprende una serie de disciplinas prácticas que son: Flamenco, Clásico Español (Estilización), Folklore, Escuela Bolera (danzas del siglo XVIII), Ballet (Danza Clásica).

Las danzas españolas folclóricas, son muchas y con calidad artística muy grande. España es potencial muy grande. Este arte se puede ver en cualquier rincón del país de forma espontánea de una improvisación, y la necesidad de moverse de un modo natural y armonioso con diferentes ritmos, instrumentos.

La danza es un arte muy arraigado a los españoles. Ya en el tiempo de los romanos, cuando el arte habilísimo de las gaditanas aparecía tan embriagador que los antiguos poetas no podían describirlo por insuficiencia de expresiones idóneas.

La danza española sufrió durante los siglos sucesivos primero la influencia morisca, hasta el punto de que algunos pasos conservaron un marcado carácter árabe, y luego la influencia gitana.

Las seguidillas, el bolero, el zapateado, las sevillanas, y el arte flamenco forman parte de la historia más pura.

El bolero, se bailaba a dos, pero en el teatro era ejecutado por muchas parejas. Era más distinguido y moderado que el fandango.

El ritmo de las seguidillas es rápido y las coplas que le acompañan son vivaces e incisivas. Sus letras son el amor, la alegría. Los celos, la cólera y la reconciliación.

El fandanguillo está formado por la fusión de varias danzas: la chacona, la villana y el Canaris es muy parecida al crepitante zapateado, cuyo ritmo marca el bailarín con golpes secos de su calzado sobre el pavimento.

Muchas de las danzas Españolas y sus Fusiones entre sí han hecho que las raíces de cada una sea difícil de encontrar, por la raza, y las derivaciones estilos naturales y libres que se han ido creando, con la música, o bien objeto de importancia modificado a la española, representan, como medio de expresión de un pueblo apasionado, ágil y místico, entereza.

La danza flamenca ha sido definida como ``una Manifestación de anarquisimos tradicional'' y aparece entretejida de reminiscencias asiáticas, danzas de fertilidad, de iniciación y de armas, todas ellas imitativas, como la corrida, una de las últimas creadas por ellos, sin respeto alguno para las reglas y con la desenvuelta incuria característica de la raza. Los gitanos no se preocupan de estudios ni disciplinas; si un paso es considerado demasiado difícil lo sustituyen con zapateados, taconeados y castañeteo de dedos, usando un método aproximativo diametralmente opuesto al de los españoles, que consideran la danza un arte noble y sincero.

Una de las características de la danza Española se que recrean una estética de un gran atractivo con sus movimientos acompasados y armónicos entre el cuerpo y los pies y de su singular forma de mover los brazos para dar una belleza mas estilosa a la danza.

Dentro de La Danza española cabe destacar actualmente a los siguientes Bailadores:

• Danza Contemporanea: Nacho Duato…
• Danza Clásica: Tamara Rojo, Angel Corella, Victor Ullate….
• Danza Española: Antonio Canales, Juaquin Cortes, Rafael Amargo, Sara Baras…

Escuela Bolera

Esta Esuela estudia las danzas españolas del siglo XVIII. Conocida como “Goyescas”, estas danzas cortas se bailan con trajes de la época del pintor Goya, de ahí su nombre popular, con zapatillas y castañuelas. Contienen muchos pasos de la danza clásica (popularmente ballet) pero con esa gracia y estilo español característico de su época.

Ballet

Para tener una completa formación como bailarín en cualquier disciplina, es necesario el estudio del Ballet (Danza Clásica). Nos aporta toda la técnica necesaria para poder desarrollar con elegancia y dominio corporal cualquier otro tipo de danza; Flamenca, GymJazz, Contemporánea, etc.

Clásico Español

El Clásico Español (Estilización) es la forma más sofisticada de coreografiar la música clásica de los grandes autores españoles... Manuel de Falla, Albéniz, Granados, Turina, con la música popular que ha ido con sus generaciones.

Esta forma de interpretar la danza se practica normalmente con zapatos, castañuelas, y a veces zapatilla clásica. Su estética nos recuerda al flamenco y un poco el folklore.

Flamenco

El Flamenco es la parte más conocida de la Danza Española, la más universal, por la amplia difusión de diferentes bailadores y músicos que lo practican. También es una de las danzas que forma parte del arte y que mas se conocen en el extranjero.

Folclore

España es uno de los países más ricos en cuanto a la variedad de su Folklore. Y que también ha ido cuidando y que con el paso de sus épocas se ha ido pasando de generación a generación la cultura. Cada región española tiene sus bailes típicos, algunos con siglos de antigüedad. Una muñeira gallega nada tiene que ver con unos verdiales malagueños, un zorcico vasco, o con la catalana sardana. El folklore es la más auténtica manifestación cultural de una región; las danza folklóricas españolas muestran su diversidad y belleza de manera única.

Ballet, Baile Tradicional, Regional Gallego

Galicia Como comunidad es muy tradicional se han ido pasando la cultura del baile Tradicional de generaciones pasadas a las mas actuales. Tanto coros como cuerpos de baile recogían las melodías populares y danzas.

Danzas Religiosas que también a modo de ofrenda y de divertimento se venían realizando en romerías, fiestas, Esisten diverdas danzas que se suelen considerar gallegas como la Pandeirada, el fandango, el maneo, ribeiranas, polcas, Regueifas, la jota. Pero el baile más popular se puede decir que es la Muñeira. Entre otras cabe destacar la Muíñeira de Chantada.

Una de las muiñeiras más características de Galicia bailada también es el espantallo. La danza de arcos, Danza das Cintas….
En diferentes zonas esta coge otras variaciones, a veces de muy raíces profundas y otras de difícil ejecución.
Suele constar de dos o tres partes: una para efectuar los puntos; otra las vueltas, que constan siempre de 16 compases. Y los paseos.
La muiñeira es siempre un alarde de ritmo, rapidez y vistosidad, por su agilidad con la que se baila, es un baile muy contagioso.
Suele representarse en las romerías gallegas y fiestas, donde suele haber un ambiente tradicional y se recoge el costumbrismo popular.

La música suele estar representada por un cuerpo de gaitas que consta de: la gaita gallega, e bombo, el tamboril, lo más típico como instrumento es la pandereta, El Pandeiro, el Charrasco, las tarrañolas, las Conchas.

Antiguamente, se tocaban con algunos utensiolios de trabajo, según su zona, en el campo con la azada y una piedra etc…

Entre numerosos Grupos de Baile Gallego Cabe destacar, Cantigas e Agarimos, Cantigas e Frores , Toxos e Flores…..
Una de las personas que actualmente a seguido investigando y cosechando el purismo a sido Mercedes Peón, Leni, Quique Peón ….

Danza Galega

La Danza Gallega a tenido una evolución y para ello tenemos que contar con José Manuel Rey de Viana . Creador y Fundador del Ballet Rey de Viana, que tras su fallecimiento ha sido su mujer Victoria Canedo la encagarda de la continuidad. Al día de hoy no existe, peor de hay han salido numerosos bailarines que algunos de ellos han creado su propios grupos de baile, y otros siguen formando parte de diferentes Agrupaciones o compañías de danza.

José Manuel Rey de Viana, ha llevado al Ballet Rey de Viana por diferentes comarcas de Galicia, diferentes provincias españolas y numerosos países .

Con su Creatividad y su formación a hecho que el ballet en Galicia y ha llevado la cultura Gallega por el resto del país y extranjero cosechando números éxitos.

De ahí y con el tiempo ha habido un antes y un después en la danza Gallega. Mercedes Suárez, con Druída Danza y ahora también a contribuye con su larga y trayectoria profesional, a la danza gallega, actualmente Directora del Centro Coreográfico Gallego.

Han Surgido nuevas compañías de danza, Como Nova Galega De Danza, Pisando Ovos.

Preguntas frecuentes

¿A qué edad se debe aprender a bailar?

Recomiendo hacer danza a partir de los 3 años, a partir de ahí cuando uno quiera practicarla, solo hay que querer para poder, es más solo queriendo se podrá sentir, solo así se disfrutara de la actividad.

Rudolf Nureyev comenzó su entrenamiento como bailarín a los 17 años.

Cada persona tiene cualidades distintas, después todo influirá para que quieran hacer uso de la actividad, es decir la finalidad.

Otro Ejemplo muy claro es Alicia Alonso una bailarina que nunca ha dejado de bailar y cuando por circunstancias no podía, ella imaginaba y repasaba los pasos mentalmente.

De echo hay videos de Alicia Alonso, donde representa una edad muy avanzada y no ha dejado de bailar nunca. “La danza aporta muchos beneficios, por eso respondo a cualquier edad. Y el físico no es un impedimento para poder hacer esta actividad, la danza va mucho más allá que una representación escénica, tengo la satisfacción de pode compartir esta experiencia con niños/as, con dificultades vamos a decirlo así, y me siento muy orgulloso de cómo me reciben en cada clase, salgo con una satisfacción que es algo que la danza me devuelve.

Y si uno se quiere dedicar profesionalmente, cuanto antes, mejor.

¿Qué ropa debo de usar?

Hay ropa especializada para la danza, la vestimenta es muy importante por el tejido en el que se confecciona que permite el movimiento y permite ver la silueta con facilidad.

El Uso de los Calentadores es muy importante.

En Las chicas las medias y las Chaquetas.

¿Cómo debo escoger las zapatillas o zapatos?

Primero hay que tener en cuenta la modalidad del baile, porque hay calzado especifico para cada baile.

Las Zapatillas del Ballet Tenemos varios modelos:

Zapatilla de Punta: Para poder escoger la zapatilla podemos diferenciar dos cosas Debutante o profesional, después según la aptitud de aprendizaje en clase, y la fuerza y el física de cada pie, entre esos factores debemos escoger la zapatilla que mejor se adapte a tu necesidad. Ya que hay muchos fabricantes y se diferencian en la dureza de las zapatillas, de más blandas a más duras, en el ancho del empeine, el formato de la caja, y la forma de la base más cuadrada o estrecha,

Es muy complicado escoger una zapatilla desde el principio que sea ideal, ya que cada pie es diferente.

El profesor después de la experiencia y primera toma de contacto con el alumno tiene que guiarte en la zapatilla a utilizar.

Zapatilla de Media punta: Hay Diferente tipo de zapatillas, de Suela Partida y de suela entera, después hay diferentes tejidos, de lona, piel sintética, piel o neopreno,

¿Uso plantillas ortopédicas, puedo hacer ballet?

Claro que si, los ejercicios básicos, con un profesional ayudaran a corregir las posturas, ayudara a fortalecer, los pies las piernas. Hay varias formas de pisar y varios estilos de pies.

Hay varios tipos de patologías:

PIE VALGO: Pie en el que el talón mira hacia fuera y se dirige hacia fuera.

PIE VARO: Pie en el que el talón mira hacia dentro y se dirige hacia dentro.

PIE ABDUCTO: El antepié se desvía hacia fuera.

PIE ADDUCTO: El antepié se desvía hacia dentro.

PIE PRONADO: La planta del pie mira hacia fuera.

PIE SUPINADO: La planta del pie mira hacia dentro.

PIE TALO: Pie fijado en flexión dorsal del tobillo (apoya con el talón solamente).

PIE EQUINO: Pie fijado en flexión plantar del tobillo (apoya con el antepié solamente).

PIE ZAMBO: Es todo pie que no reposa en el suelo sobre sus apoyos normales; si bien cuando hablamos de Pie Zambo, generalmente nos estamos refiriendo al que es "Equino-Varo-Adducto y Supinado".

Algunos problemas viene derivados de la cadera y piernas, la forma de pisar, influirá también en las cervicales, columna vertebral y lumbares.

Para ello el ballet tiene ejercicios que nos ayudaran a corregir notablemente.

¿El Ballet no es para Chicas?

NO.

Desafortunadamente ese comentario lo suelen hacer personas que no tienen cultura del ballet, el Ballet No es discriminatorio.

El ballet de las chicas es muy diferente al de los chicos y hombres. Los bailarines tienen que estar fuertes y ser atléticos – en las compañías de ballet importantes, desempeñan el papel de príncipes, soldados y piratas. Algunos científicos hicieron pruebas con los bailarines en comparación con los deportistas, encontraron que los bailarines estaban más en forma y podían seguir haciendo ejercicio durante más tiempo.

¿Me gusta el baile pero me da Vergüenza?

El BAILE, LA Danza o el ballet, es una actividad más, todas las personas que toman clase, tuvieron su primer contacto, nadie ha nacido aprendido, de hecho en la clase te enseñaran, y las conductas de una clase harán que te sientas cómodo y hay que tomarlo como algo natural, lo mejor que puedes hacer es hablar con el director, o profesor con toda naturalidad, no hay que tener vergüenza ni tener miedos.

Que es mejor hacer una actividad que realmente te gusta, y te va a aportar beneficios, o que pase el tiempo y te quedes con las ganas.

¿Me gusta el Baile de Salón y no tengo pareja?

El consejo que te doy es que te dirijas al profesor por que suele acudir gente que no tiene pareja. En las clases se forman parejas, es lo más normal para esta modalidad, aun que también acuden parejas.

¿Quiero Formar parte del Ballet Studio 88 que debo hacer?

Aquí en esta página tienes toda la información en contactos, o bien en el apartado del Ballet Studio 88.

Xentrex

Bio Danza – Danza Energética

Metodología Josué Álvarez.

Soy Josué Álvarez y tras dedicarme al sector de la Danza tanto como profesor, y bailarín. He sufrido una lesión como muchos de los bailarines, en este caso mío en el aductor, he estado un periodo de tiempo sin poder hacer lo que mas me gusta, danzar, por que sentía que me quitaban una parte de mi vida. Para solventar este pequeña situación he tenido que tratar con médicos a los cuales le estoy agradecido, pero a la hora de incorporarme a la vida laboral y a la vocación por este arte, he tenido que modificar varias conductas de trabajo.

Lo que ha hecho que me preocupara por mi bienestar y salud para poder desarrollar la danza más plenamente y sin tantas limitaciones.

Para ello he hecho diferentes cursos de:

• Como respetar el cuerpo de uno mismo (aplicado al ejercicio).
• Las Claves del Talento.
• Pilates.
• Bio Danza – Danza Energetica
• Como Superar la ansiedad ( aplicada al físico y la mente)
• Método de Relajación Jacobson. (Edmund Jacobson Medico Psiquiatra y Fisiólogo, Relajación Progresiva)
• Método de Relajación Schultz. ( Johannes Heinrich Schultz Médico Neurólogo y psiquiatra Aleman)
• Método de Relajación Silva.
• Pilates
• Yoga……
• Terapias alternativas de diferentes Culturas y Paises.

He desarrollado mi método después de mi formación con la danza, mi experiencia personal, profesional y todos los cursos, congresos, conferencias, reuniones que he tenido, para el bienestar tanto personal como profesional aplicado a la danza o el ejercicio Físico).

Introducción

El Bienestar tanto físico como mental es la preocupación Humana. En España son mas las personas que demandan una actividad dirigida al bienestar, donde se cuiden todos los aspectos. Pero bien es verdad que en otros países con diferentes culturas, la prevención, y el compatibilizar el cuidado así mismo con la vida cotidiana está a la orden del día. Todos queremos dedicar un momento a nosotros mismos, pero en realidad son pocas personas las que consiguen dedicarse ese momento. Muchas de las veces intentamos dedicar un momento a nosotros mismos, haciendo una actividad que nos gusta, pero eso no consigue relajarnos al completo, si no que nos distrae.

Muchas personas, se preocupan a diario por sus asuntos, o lo que es mejor le preocupan, la economía, el trabajo, la salud, la mayoría de las personas tienen o dicen tener que tiene stress, o ansiedad.

La ansiedad y el Stress, forma parte indiscutiblemente de nuestras vidas. Es inevitable como nos introducimos en el stress de la vida moderna (Actual), el Ritmo que llevamos, a que parece que muchas de las veces es como si estuviéramos haciendo una carrera o un maratón. La complejidad, ya que de una forma involuntaria la mayor parte de las veces, nos comparamos con los demás, o nos dejamos influir por las modas, ¿tenemos suficientemente personalidad o nos dejamos influir por las modas y el marqueting?

Cuando realizamos una actividad física, nos preocupamos de hacer un buen calentamiento, y estiramiento, pero nos olvidamos de una parta y muy importante la emocional y psíquica, si no hacemos la actividad suficientemente relajados, esto provoca tensión, y notaremos que los músculos están en tensión, agarrotados.

Si realizamos una actividad física sea cual sea con esa tensión lo mas probable es de que podamos tener contracturas, por esa sobrecarga. Desafortunadamente muy pocos profesionales trabajan los tres campos para la preparación a la hora de realizar un ejercicio sea cual sea, bien por un hobby que tengamos, y mas a la hora de si lo realizamos por nuestra propia cuenta, o bien si nos dedicamos a ello profesionalmente.

¿Que es Xentrex?

Xentrex es un método revolucionario donde se mezclan diferentes técnicas de diferentes culturas. Con ejercicios sin esfuerzos y de rehabilitación, adaptados a cada persona.

¿Estructura de Una Clase?

Preparación de la clase: 10 Minutos

• Relajación Muscular y tensión.
• Calentamiento y estiramiento.
• Ejercicios para la concentración.
• Ejercicios Respiratorios.

Clase: (45 Minutos)

• Ejercicios Físicos
• Correcciones Posturales adoptadas en la vida Cotidiana o de los ejercicios Físicos.
• Estiramientos y Relajación

Fin: (10 Minutos)

¿Ejercicios que se utilizan?

• Ejercicios de Bio Danza o Danza Energetica.
• Tensigridad, tensar y destensar Músculos.
• Presoterapia
• Correcciones Posturales
• Alongar
• Ejercicios para la rehabilitación de la memoria. (Concentración)
• Ejercicios para la coordinación.

• Ejercicios respiratorios.
• EJERCICIOS DE Músico-terapia.
• Ejercicios de Color-terapia.
• Ejercicios técnicas interculturales.
• Ejercicios individuales, por parejas y grupales.

¿Cuales son Los Beneficios?

• Trabajar cómodamente sin tensiones, dolor y esfuerzo.
• Elimina el estrés
• Mejora el movimiento en las Articulaciones.
• Mejora la elasticidad muscular y de tendones.
• Relajación Muscular.

• Activa la circulación.
• La concentración y la memoria.
• Equilibrio y Ritmo.
• Mejora las correcciones Posturales a los ejercicios físicos.
• Mejora los malos hábitos posturales de la vida Cotidiana.
• Elimina toxinas.

• Moldea la silueta.
• Se queman calorías.
• Beneficios Cardiorrespiratorios
• Aumenta la resistencia.
• Se previenen Contracturas.
• Mejora las molestias y las previene.
• El estado anímico.

¿Quien Puede Hacer Xentrex?

Toda Aquella persona que quiera. La Actividad es personalizada por lo cual no toda persona podrá realizar todos los ejercicios, para obtener una buena evolución y mejorar la conducta física y mental.

Se Recomienda hacer los ejercicios al lado del profesional, hasta que se aprenda la utilización de los mismos.

Habrá previo a la utilización de la misma una entrevista con la persona a realizar la actividad. Para una toma de contacto de cómo se encuentra físicamente, para hacer un plan de trabajo eficaz.

¿Cuando Voy a Comenzar a obtener Beneficios?

Hay varios factores que influyen aquí y depende de los beneficios que hablemos y de cual sea el estado físico y salud en la que nos encontremos.

Como Profesional y como autor de mi metodología digo que el primer día que se tiene contacto con esta actividad se obtienen beneficios, primero por que se adquieren conocimientos y segundo por que la actividad física repercute saludablemente en el estado físico y mental, uno de los beneficios es poder relajarse, y quemar calorías y toxinas.

A medida de cómo nos encontremos no todas las personas obtendrán los mismos beneficios. Ya que no se trabajaran por igual al adaptar el trabajo a la persona, por eso es eficaz.

Ejemplo: si no tengo un mal Habito postural de la buena colocación de la espalda, no obtendré ese beneficio, aun que en algunos casos puede mejorar el hábito.

Después depende de con que frecuencia utilicemos los ejercicios una vez aprendidos en nuestra vida cotidiana.

Ejemplo:Si aprendo a como cargar las bolsas de la compra, pero después en la vida cotidiana al realizar la compra hago un mal uso, no serviría de nada, por que no esta siendo llevado a la práctica. O Si aprendemos a organizar los tiempos y los espacios aprenderemos a no ir estresados o si no se hace uso de lo que se aprende en una palabra.

¿Beneficios en la danza?

Una preparación más sólida y adecuada del cuerpo para la preparación de la Actividad.

Ayuda a aplicar la respiración a cada movimiento, mejora la elasticidad, la fuerza, la resistencia, la elongación, la tensión muscular, mejora la concentración ayuda a trabajar el equilibrio, en el apartado emocional y sensorial ayuda con la parte interpretativa, ya que hacemos uso de lo que sentimos y de las emociones para poder desarrollar una expresión corporal mas natural y adecuada aplicada al movimiento para compensar la rigidez y ejercicios de la técnica del ballet.